Abstrakčiojo meno ištakos ir mokyklos

Abstraktus menas (kartais vadinamas neobjektyvus menas) yra paveikslas ar skulptūra, vaizduojanti žmogų, vietą ar daiktą gamtos pasaulyje. Kalbant apie abstrakčią dailę, kūrinio tema yra tai, ką matote: spalva, formos, teptuko brūkšniai, dydis, mastelis, o kai kuriais atvejais ir pats procesas, kaip veiksmo tapyba.

Abstraktūs menininkai siekia būti neobjektyvūs ir neatstovaujami, leisdami žiūrovui savaip interpretuoti kiekvieno kūrinio prasmę. Taigi abstraktus menas nėra perdėtas ar iškreiptas pasaulio vaizdas, kokį matome Paulo Cézanne'o (1839–1906) kubistiniuose paveiksluose ir Pablo Picasso (1881–1973), nes jie pateikia tam tikro tipo konceptualų realizmą. Vietoj to, forma ir spalva tampa pagrindiniu kūrinio objektu ir tema.

Nors kai kurie žmonės gali teigti, kad abstrakčiam menui nereikia reprezentacinio meno techninių įgūdžių, kiti prašo skirtis. Tai iš tikrųjų tapo viena didžiausių diskusijų šiuolaikiniame mene. Kaip rusų abstraktus menininkas Vasilijus Kandinskis (1866–1944) pateikė:

„Iš visų menų abstrakčioji tapyba yra pati sunkiausia. Tai reikalauja, kad jūs mokate gerai piešti, kad turite padidintą jautrumą kompozicijai ir spalvoms bei kad esate tikras poetas. Šis paskutinis yra būtinas “.

Meno istorikai paprastai XX amžiaus pradžią laiko svarbia istorinis abstrakčiojo meno istorijos momentas. Per tą laiką menininkai dirbo kurdami tai, ką jie apibrėžė kaip „gryną meną“: kūrybinius darbus, kurie nebuvo grindžiami vizualiniu suvokimu, o menininko vaizduote. Tarp reikšmingų šio laikotarpio darbų yra Kandinskio 1911 m. „Paveikslas su ratu“ ir „Caoutchouc“, kuriuos 1909 m. Sukūrė prancūzų avangardistas Pranciškus Picabija (1879–1953).

Vis dėlto abstrakčiojo meno šaknis galima atsekti kur kas toliau. Menininkai buvo siejami su tokiais judėjimais kaip XIX a Impresionizmas ir ekspresionizmas eksperimentavo su mintimi, kad tapyba gali užvaldyti emocijas ir subjektyvumą. Reikia ne tik sutelkti dėmesį į iš pažiūros objektyvų vaizdinį suvokimą. Žvelgiant dar toliau, daugelis senovės roko paveikslų, tekstilės raštų ir keramikos piešinių užfiksavo simbolinę tikrovę, o ne bandė pateikti objektus tokius, kokius mes matome.

Kandinsky dažnai laikomas vienu įtakingiausių abstrakčių menininkų. Vaizdas, kaip bėgant metams jo stilius vystėsi nuo reprezentacinio iki gryno abstrakčiojo meno, yra patrauklus žvilgsnis į judėjimą apskritai. Pats Kandinskis sugebėjo paaiškinti, kaip abstraktus menininkas gali naudoti spalvą, kad suteiktų iš pažiūros beprasmį darbo tikslą.

Kandinskis tikėjo, kad spalvos sukelia emocijas. Raudona buvo gyva ir pasitikinti savimi; žalia buvo rami su vidine jėga; mėlyna buvo gili ir antgamtinė; geltona spalva gali būti šilta, jaudinanti, trikdanti ar visiškai nebankrutavusi; ir balta atrodė tyli, bet pilna galimybių. Jis taip pat paskyrė instrumentų tonus, kad jie atitiktų kiekvieną spalvą. Raudona skambėjo kaip trimitas; žalia skambėjo kaip vidurinės padėties smuikas; šviesiai mėlynas skambėjo kaip fleita; tamsiai mėlyna skambėjo kaip violončelė, geltona skambėjo kaip trimitų gerbėjai; harmoningai melodijoje balta skambėjo kaip pauzė.

Šios garsų analogijos atsirado dėl to, kad Kandinsky įvertino muziką, ypač šiuolaikinio Vienos kompozitoriaus Arnoldo Schoenbergo (1874–1951) kūrinius. Kandinsky pavadinimai dažnai nurodo kompozicijos spalvas ar muziką, pavyzdžiui, „Improvizacija 28“ ir „Kompozicija II“.

Prancūzų dailininkas Robertas Delaunay (1885–1941) priklausė Kandinsky „Blue Rider“ (Die Blaue Reiteris) grupė. Su savo žmona, rusų kilmės Sonia Delaunay-Turk (1885–1979), abu savo judėjimu rėmėsi abstrakcija, Orfizmas arba Orfinis kubizmas.

Šiandien „abstraktus menas“ dažnai yra skėtinis terminas, apimantis platų stilių ir meno judesių spektrą. Tarp jų yra neatstovaujantis menas, neobjektyvus menas, abstraktus ekspresionizmas, meno informavimas (gestinio meno rūšis) ir net kai kurie op menas (optinis menas, reiškiantis meną, kuriame naudojamos optinės iliuzijos). Abstraktus menas gali būti gestinis, geometrinis, neskaidrus ar perkeltinis, reiškiantis dalykus, kurie nėra vizualūs, pavyzdžiui, emocijas, garsą ar dvasingumą.

Nors abstraktųjį meną esame linkę sieti su tapyba ir skulptūra, jis gali būti pritaikytas bet kurioje vaizdinėje terpėje, įskaitant asambliažas ir fotografija. Tačiau būtent dailininkai sulaukia daugiausiai dėmesio šiame judesyje. Yra daug žymių menininkų, atstovaujančių įvairiems požiūriams į abstraktųjį meną, ir jie padarė didelę įtaką šiuolaikiniam menui.

• Carlo Carrà (1881–1966) buvo italų tapytojas, labiausiai žinomas dėl savo darbo „Futurism“, abstrakčiojo meno forma, pabrėžiančia XX amžiaus pradžios energiją ir greitai kintančias technologijas. Per savo karjerą jis dirbo kubizme taip pat daugelis jo paveikslų buvo tikrovės abstrakcijos. Tačiau jo manifestas, „Garsų, triukšmo ir kvapų tapyba“ (1913) paveikė daugelį abstrakčių menininkų. Tai paaiškina jo susižavėjimą sinaestezija - jusliniu kryžminimu, kuriame, pavyzdžiui, vienas „užuodžia“ spalvą, kuri yra daugelio abstrakčių meno kūrinių pagrindas.
• Umberto Boccioni (1882–1916) buvo dar vienas italų futuristas, susitelkęs į geometrines formas ir didelę įtaką kubizmui. Jo darbas dažnai vaizduoja fizinį judesį, kaip matyti „Proto būsenos“ (1911). Ši trijų paveikslų serija fiksuoja traukinių stoties judesį ir emocijas, o ne fizinį keleivių ir traukinių vaizdavimą.
• Kazimiras Malevičius (1878–1935) buvo rusų tapytojas, kurį daugelis apibūdina kaip geometrinio abstrakčiojo meno pradininką. Vienas žinomiausių jo darbų yra „Juodasis kvadratas“ (1915). Tai supaprastinta, tačiau be galo žavi meno istorikams, nes, kaip minima Tate analizėje, „pirmą kartą kažkas padarė paveikslą, kuris neturėjo kažko“.
• Džeksonas Pollockas (1912–1956), Amerikos tapytojas, dažnai pateikiamas kaip idealus paveikslas Abstraktus ekspresionizmas, arba veiksmo tapyba. Jo darbas yra daugiau nei dažų lašinimas ir purslų dažymas ant drobės, tačiau visiškai gestas ir ritmingas, dažnai naudojamas netradicinis metodas. Pavyzdžiui, „Visas penkis vaisius“ (1947) yra aliejus ant drobės, sukurtas iš dalies su tačkais, monetomis, cigaretėmis ir dar daugiau. Kai kurie jo darbai, tokie kaip „Aštuoni buvo aštuoni“ (1945) yra didžiuliai, driekiasi per aštuonias pėdas.
• Markas Rotko (1903–1970) perėmė Gelevičiaus geometrines santraukas į naują modernizmo lygį su spalvų lauko tapyba. Šis amerikiečių tapytojas 1940-aisiais išaugo ir spalvas pavertė vien tik savo tema, iš naujo apibrėždamas abstrakčiąją dailę kitai kartai. Jo paveikslai, tokie kaip „Keturios tamsios raudonos“ (1958) ir „Oranžinė, raudona ir geltona“ (1961), pasižymi ne tik savo stiliumi, bet ir dideliu dydžiu.