XXI amžiaus tapybos džiaugsmo dalis yra platus išraiškos formų asortimentas. XIX ir XX amžių pabaigoje menininkai padarė didžiulius šuolius į tapybos stilių. Daugeliui šių naujovių įtakos turėjo technologinė pažanga, tokia kaip metalo dažų vamzdžio išradimas ir jo raida fotografija, taip pat socialinių konvencijų, politikos ir filosofijos pokyčiai kartu su pasaulio įvykiais.
Šiame sąraše išdėstomi septyni pagrindiniai meno stiliai (kartais vadinami „mokyklomis“ ar „judėjimais“), kai kurie yra daug realesni nei kiti. Nors jūs nebūsite originalaus judėjimo dalis - menininkų grupė, kuri paprastai dalijosi tuo pačiu tapybos stilių ir idėjas tam tikru istorijos laikotarpiu - vis tiek galite piešti pagal jų naudojamus stilius. Sužinoję apie šiuos stilius ir pamatę, ką sukūrė juose dirbantys menininkai, ir patys eksperimentuodami su skirtingais požiūriais, galite pradėti kurti ir puoselėti savo stilių.
Realizmas, kuriame paveikslo objektas atrodo panašus į realų daiktą, o ne stilizuojamas ar abstrahuojamas, yra stilius, kurį daugelis galvoja kaip „tikras menas“. Tik ištyrus iš arti, tai, kas atrodo vientisa spalva, atsiskleidžia kaip daugybė spalvų ir vertybes.
Realizmas buvo dominuojantis tapybos stilius nuo 2003 m renesansas. Menininkas, naudodamas perspektyvą, sukuria erdvės ir gylio iliuziją, kompoziciją ir apšvietimą nustatydamas taip, kad objektas atrodytų tikras. Leonardo da Vinci's "Mona Lizayra klasikinis stiliaus pavyzdys.
Painterly stilius pasirodė kaip Pramonės revoliucija apėmė Europą XIX amžiaus pirmoje pusėje. Išlaisvinti išradus metalinį dažų vamzdelį, kuris dailininkams leido išeiti už studijos ribų, tapytojai pradėjo daugiausiai dėmesio skirti pačiai tapybai. Dalykai buvo perteikti realistiškai, tačiau tapytojai nesistengė slėpti savo techninio darbo.
Kaip rodo jo pavadinimas, akcentuojamas tapybos veiksmas: teptuko pobūdis ir patys pigmentai. Šiuo stiliumi dirbantys menininkai nemėgina slėpti to, kas buvo naudojama paveikslui sukurti, išlygindama teptuku ar kitu įrankiu, pavyzdžiui, paletės peiliu, dažus, likusius dažuose. Paveikslai Henri Matisse yra puikūs šio stiliaus pavyzdžiai.
Impresionizmas atsirado 1880-aisiais Europoje, kur tokie menininkai kaip Claude Monet stengėsi užfiksuoti šviesą ne per realizmo detalę, bet gestais ir iliuzijomis. Jei norite pamatyti drąsius spalvų potėpius, jums nereikia būti per arti Monetų vandens lelijų ar Vincento Van Gogho saulėgrąžų, tačiau, be abejo, ką jūs žiūrite.
Objektai išlaiko tikrovišką išvaizdą, tačiau turi gyvybingumo, būdingo šiam stiliui. Sunku patikėti, kad kai impresionistai pirmą kartą demonstravo savo kūrinius, dauguma kritikų to nekentė ir išjuokė. Tai, kas tada buvo laikoma nebaigtu ir grubiu tapybos stiliumi, dabar yra mylima ir gerbiama.
Ekspresionizmas ir Favizmas yra panašūs stiliai, kurie studijose ir galerijose pradėjo atsirasti XX amžiaus pabaigoje. Abiem būdingos drąsios, nerealios spalvos, pasirinktos ne vaizduoti gyvenimą tokį, koks jis yra, bet veikiau tokį, kokį jis jaučia ar atrodo menininkui.
Abu stiliai tam tikru būdu skiriasi. Ekspresionistai, įskaitant Edvardą Munchą, stengėsi perduoti groteską ir siaubą kasdieniame gyvenime, dažnai su hiper stilizuotais teptukais ir siaubingais vaizdais, tokiais, kokie buvo įprasti tapyba “Klyksmas."
Fauistai, nepaisydami naujoviško spalvų naudojimo, siekė sukurti kompozicijas, vaizduojančias idealizuotą ar egzotišką gyvenimą. Pagalvokite apie svaiginančius šokėjus Henri Matisse'ą ar George'o Braque'o sielovados scenas.
Pirmiesiems XX amžiaus dešimtmečiams atsiskleidžiant Europoje ir Amerikoje, tapyba tapo ne tokia tikroviška. Abstrakcija yra susijusi su subjekto tapymu, nes menininkas jį interpretuoja, o ne apie matomas detales. Dailininkas gali sumažinti objekto spalvas, formas ar raštus, kaip antai Pablo Picasso padarė su savo garsiąja trijų muzikantų freska. Atlikėjai, visi ryškūs brūkšniai ir kampai, neatrodo tikri, tačiau abejonių nėra.
Arba menininkas gali pašalinti subjektą iš jo konteksto arba padidinti jo mastą, kaip tai darė Georgia O'Keeffe. Jos gėlės ir kriauklės, atskirtos nuo smulkių detalių ir plūduriuojančios abstrakčiame fone, gali būti panašios į svajingus kraštovaizdžius.
Grynai abstraktus kūrinys, kaip ir didžioji dalis šeštojo dešimtmečio abstrakčiojo ekspresionizmo judėjimo, aktyviai vengia realizmo, mėgaudamasis subjektyvia apimtimi. Paveikslo tema ar taškas yra naudojamos spalvos, tekstūros meno kūrinyje ir medžiagoms, naudojamoms jam sukurti.
Džeksono Pollocko lašeliniai paveikslai kai kuriems gali atrodyti kaip milžiniškos netvarkos, tačiau to negalima paneigti kad freskos, tokios kaip "Numeris 1 (levandų rūkas)", turi dinamišką, kinetinę kokybę, išlaikančią jūsų susidomėjimas. Kiti abstraktūs menininkai, tokie kaip Markas Rothko, patys supaprastino savo spalvas. Spalvų lauko darbai, kaip ir jo 1961 m. Meistras „Oranžinė, raudona ir geltona“, yra būtent tai: trys pigmento blokai, kuriuose galite prarasti save.
Fotorealizmas vystėsi septintojo dešimtmečio pabaigoje ir aštuntajame dešimtmetyje, reaguojant į abstraktųjį ekspresionizmą, kuris dominavo mene nuo 1940 m. Šis stilius dažnai atrodo tikresnis nei tikrovė, kur nė viena detalė nėra palikta ir nė viena yda nėra nereikšminga.
Kai kurie menininkai nukopijuoja fotografijas, projektuodami jas ant drobės, kad tiksliai užfiksuotų tikslias detales. Kiti tai daro ranka arba naudoja tinklelio sistemą, kad padidintų spaudinį ar nuotrauką. Vienas žinomiausių fotorealistikos tapytojų yra Chuckas Closeas, kurio freskų dydžio kolegų menininkų ir įžymybių galvos apdangalai yra sudaryti iš nuotraukų.