54 garsūs dailininkų paveikslai

Būti garsiu menininku savo gyvenime nėra garantija, kad kiti menininkai jus prisimins. Ar girdėjote apie prancūzų dailininką Ernestą Meissonier?

Jis buvo šiuolaikinis su Edouardu Manetu ir daug sėkmingesniu menininku kritikų pripažinimo ir pardavimų srityje. Taip pat yra atvirkščiai - Vincentas van Gogas. Van Gogas pasikliovė, kad jo brolis Theo aprūpins jį dažais ir drobėmis, tačiau šiandien jo paveikslai kainuoja rekordines kainas, kai tik jie ateina į meno aukcioną, ir jis yra namų vardas.

Žvilgsnis į garsius praeities ir dabarties paveikslus gali išmokyti daug ko, įskaitant kompoziciją ir dažų valdymą. Nors tikriausiai svarbiausia pamoka yra ta, kad galų gale turėtumėte piešti sau, o ne rinkai ar palikuonims.

„Naktinis sargyba“ - Rembrandtas

"Naktinio budėjimo" paveikslas Rembrantas yra „Rijksmuseum“ Amsterdame. Kaip parodyta nuotraukoje, tai didžiulis paveikslas: 363x437 cm (143x172 ").

Rembrantas jį baigė 1642 m. Tikrasis jo pavadinimas yra „Franso, draudžiančio Cocqą ir Willemą van Ruytenburchą, kompanija“, tačiau jis geriau žinomas kaip Naktinis budėjimas. (Įmonė yra milicijos sargyba).

Laikotarpio paveikslo kompozicija buvo labai skirtinga. Užuot parodęs figūras tvarkingai, tvarkingai, kur visiems buvo suteikta vienoda svarba ir erdvė drobėje, Rembrandtas jas nutapė kaip užimtą grupę.

Maždaug 1715 m. Ant „Naktinio sargybos“ buvo nupieštas skydas, kuriame buvo 18 žmonių vardai, tačiau tik kai kurie iš jų buvo nustatyti. (Taigi nepamirškite, jei piešiate grupės portretą: užpakalinėje dalyje nupieškite schemą, kurioje nurodysite visų būsimus vardus kartos sužinos!) 2009 m. kovo mėn. olandų istorikas Basas Dudokas van Heelis pagaliau atskleidė paslaptį, kas yra kas tapyba. Jo tyrimų metu rasta net drabužių ir aksesuarų, pavaizduotų „Nakties sargyboje“, paminėtuose šeimos valdos, kurias jis tada subūrė su įvairių milicininkų amžiumi 1642 m., tais metais, kai buvo paveikslas baigtas.

Dudokas van Heelis taip pat atrado, kad salėje, kurioje pirmą kartą buvo pakabintas Rembrandto „Naktinis sargybinis“, buvo šešios grupės. milicijos portretai, iš pradžių rodomi ištisine serija, o ne šeši atskiri paveikslai, kaip jau seniai pagalvojo. Atvirkščiai, šeši Rembrandto, Pickenoy, Bakkerio, Van der Helsto, Van Sandrarto ir Flincko portretai suformavo nenutrūkstamą frizą, atitinkantį vieną kitą ir pritvirtintą mediniame kambario dailylentėje. Arba tai buvo ketinimas. Rembrandto „Nakties sargyba“ netinka nei kitiems kompozicijos, nei spalvos paveikslams. Panašu, kad Rembrandtas nesilaikė savo komisijos sąlygų. Bet tada, jei jis būtų, mes niekada neturėtume šio ryškiai kitokio 17-ojo amžiaus grupės portreto.

„Kiškis“ - Albrechtas Düreris

Paprastai vadinamas Dürerio triušiu, oficialus šio paveikslo pavadinimas jį vadina kiškiu. Paveikslas yra nuolatinėje kolekcijoje „Batliner“ kolekcija iš Albertinos muziejus Vienoje, Austrijoje.

Jis buvo nudažytas naudojant akvarelę ir guašą, o baltos spalvos pabrėžiamos guašu (o ne popieriaus nedažyta balta spalva).

Tai įspūdingas kailio dažymo pavyzdys. Norėdami jį mėgdžioti, jūsų požiūris priklauso nuo to, kiek turite kantrybės. Jei turite lazdelių, dažysite plonu teptuku, po vieną plauką. Priešingu atveju naudokite sauso šepetėlio techniką arba padalykite plaukus ant teptuko. Kantrybė ir ištvermė yra būtini. Per greitai dirbkite ant drėgnų dažų, o pavieniai smūgiai gali susimaišyti. Netęskite pakankamai ilgai, o kailis atrodys plikas.

Siksto koplyčios lubų freska - Mikelandželas

Mikelandželo paveikslas iš Siksto koplyčios lubų yra viena garsiausių freskų pasaulyje.

Siksto koplyčia yra didelė koplyčia Apaštalų rūmuose, oficialioje popiežiaus (Katalikų bažnyčios vadovo) rezidencijoje Vatikano mieste. Jame yra daugybė freskų, nupieštų keletu didžiausių Renesanso vardų, įskaitant Berninio ir Raphaelio sienines freskas, tačiau labiausiai ji garsėja Mikelandželo lubų freskomis.

Mikelandželas gimė 1475 m. Kovo 6 d. Ir mirė 1564 m. Vasario 18 d. Popiežiaus Julijaus II užsakymu Mikelandželas dirboSiksto koplyčios lubos nuo 1508 m. gegužės iki 1512 m. spalio (nuo 1510 m. rugsėjo mėn. iki 1511 m. rugpjūčio mėn. darbai nebuvo atlikti). Koplyčia buvo atidaryta 1512 m. Lapkričio 1 d., Visų šventųjų šventėje.

Koplyčia yra 40,23 metro ilgio, 13,40 metro pločio, o lubos aukščiausiame taške - 20,70 metro virš žemės.¹. Mikelandželas nutapė Biblijos scenų, pranašų ir Kristaus protėvių serijas, taip pat „trompe l'oeil“ ar architektūros ypatybes. Pagrindinėje lubų srityje vaizduojamos istorijos iš Pradžios knygos istorijų, įskaitant žmonijos sukūrimą, žmogaus kritimą iš malonės, potvynį ir Nojų.

Siksto koplyčios lubos: detalė

Skydelis, kuriame parodyta žmogaus kūryba, yra bene geriausiai žinoma scena garsiojoje Mikelandželo freskoje ant Siksto koplyčios lubų.

Siksto koplyčioje Vatikane yra nudažyta daug freskų, tačiau labiausiai ji garsėja Mikelandželo lubų freskomis. 1980–1994 m. Vatikano meno ekspertai atliko rimtą restauravimą, pašalindami šimtmečius trukusius žvakučių dūmus ir atlikdami ankstesnius restauravimo darbus. Tai atskleidė spalvas daug ryškiau, nei manyta anksčiau.

Pigmentai, kuriuos Mikelandželas naudojo: ochra raudoniems ir geltoniems, geležiniai silikatai žalumynams, lapis lazuli - mėlynai ir anglis juodai.¹ Ne viskas nupiešta taip išsamiai, kaip atrodo pirmiausia. Pavyzdžiui, priekiniame plane esančios figūros yra nudažytos išsamiau nei fone, taip padidinant lubų gylį.

Daugiau apie Siksto koplyčią:

• Vatikano muziejai: Siksto koplyčia
• Virtuali ekskursija po Siksto koplyčią

Šaltiniai:
1 Vatikano muziejai: Siksto koplyčia, Vatikano miesto valstijos svetainė, žiūrėta 2010 m. Rugsėjo 9 d.

„Leonardo da Vinci“ sąsiuvinis

Renesanso menininkas Leonardo da Vinci garsėja ne tik savo paveikslais, bet ir sąsiuviniais. Ši nuotrauka rodo vieną „V&A“ muziejuje Londone.

Londono „V&A“ muziejaus kolekcijoje yra penki Leonardo da Vinci sąsiuviniai. Šį, vadinamą „Codex Forster III“, Leonardo da Vinci naudojo 1490–1493 m., Kai jis dirbo Milane pas hercogą Ludovico Sforza.

Tai nedidelis užrašų knygelė, tokio dydžio, kurią lengvai galėtumėte laikyti palto kišenėje. Jis pripildytas įvairiausių idėjų, užrašų ir eskizų, įskaitant „žirgo kojų eskizus, kepurės ir drabužiai, kurie galėjo būti idėjos kostiumams baliuose, ir žmogaus anatomijos aprašymas galva."¹ Nors muziejuje negalite vartyti sąsiuvinio puslapių, galite jį naršyti internete.

Perskaityti jo rašyseną nėra lengva, tarp kaligrafijos stiliaus ir rašymo veidrodžiu (atgal, iš dešinės į kairę), tačiau kai kuriems atrodo įdomu pamatyti, kaip jis viską sutelkia į vieną sąsiuvinis. Tai veikiantis sąsiuvinis, o ne parodomasis elementas. Jei kada nors jaudiniesi, kad tavo kūrybiškumo žurnalas nebuvo kažkaip teisingai atliktas ar organizuotas, imkitės šio meistro pavyzdžio: darykite taip, kaip jums reikia.

<sub>Šaltinis:
1. Naršykite „Forster Codices“, „V&A“ muziejų. (Žiūrėta 2010 m. Rugpjūčio 8 d.)</sub>

„Mona Liza“ - Leonardo da Vinci

Leonardas da VinčisParyžiaus Luvre esantis „Mona Liza“ paveikslas yra neabejotinai garsiausias paveikslas pasaulyje. Tai tikriausiai ir geriausiai žinomas pavyzdys sfumato, tapybos technika iš dalies atsakinga už mįslingą jos šypseną.

Buvo daug spėliojama, kas buvo moteris paveiksle. Manoma, kad tai Florencijos audinių prekybininko, vadinamo Francesco del Giocondo, žmonos Lisos Gherardini portretas. (XVI a. Dailės rašytojas Vasari savo „Menininkų gyvenimuose“ tai pasiūlė vienas iš pirmųjų). Taip pat buvo pasiūlyta jos šypsenos priežastis - ji buvo nėščia.

Meno istorikai žino Leonardo buvo pradėjęs „Mona Lizą“ iki 1503 m., nes tais metais ją įrašė aukštas Florencijos pareigūnas Agostino Vespucci. Kai jis baigs, ne taip jau aišku. Iš pradžių Luvras paveikslą paskelbė 1503–06, tačiau 2012 m. Padaryti atradimai rodo, kad jis galėjo būti toks pat kaip dešimtmetį, kol jis nebuvo baigtas, remiantis fonu, paremtu uolų piešiniu, kurį jis, žinoma, padarė 1510-15.¹ 2012 m. Kovo mėn. Luvras pakeitė datas į 1503–199.

Šaltinis:
1. Mona Liza galėjo būti baigta dešimtmečiu vėliau, nei manyta Martino Bailey „Meno laikraštyje“, 2012 m. Kovo 7 d. (Žiūrėta 2012 m. Kovo 10 d.)

Garsūs tapytojai: Monet prie Giverny

Nuorodos tapybai nuotraukos: Monet „Sodas Giverny“.

Dalis impresionistų tapytojo Claude'o Monet'o tokios garsios priežasties yra jo atspindžių lelijų tvenkiniuose atspindžiai, kuriuos jis sukūrė savo dideliame sode Giverny. Tai įkvėpė daugelį metų, iki pat jo gyvenimo pabaigos. Jis piešė tvenkinių įkvėptų paveikslų idėjas, o mažus ir didelius paveikslus kūrė kaip atskirus darbus ir serijas.

Klodo Moneto parašas

Šis pavyzdys, kaip Monet pasirašė savo paveikslus, yra iš vieno iš jo vandens lelijų paveikslų. Matote, kad jis jį pasirašė su vardu ir pavarde (Claude'as Monet) ir metais (1904). Jis yra apatiniame dešiniajame kampe, pakankamai toli, kad jo nenupjautų rėmas.

Pilnas Monet vardas buvo Claude'as Oscaras Monet.

„Įspūdžio saulėtekis“ - Monet

Šis Monet paveikslas suteikė vardą impresionistinis stilius meno. Jis jį eksponavo 1874 m. Paryžiuje, vadinamojoje Pirmojoje impresionistų parodoje.

Peržiūrėdamas parodą, kurią jis pavadino „Impresionistų paroda“, menotyrininkas Louisas Leroy sakė:

"Tapetai savo embriono būsenoje yra labiau išbaigti nei tas jūros vaizdas."

<sub>Šaltinis:
1. Louis Leroy „L'Exposition des Impressionnistes“, Le Charivari, 1874 m. Balandžio 25 d., Paryžius. Išvertė Johnas Rewaldas Impresionizmo istorija, Moma, 1946, p256-61; cituojamas Salone bienalei: Parodos, padariusios meno istoriją, Bruce'as Altshuleris, Phaidonas, p.</sub>

„Haystacks“ serija - Monet

Monet dažnai piešė tos pačios temos seriją, kad užfiksuotų besikeičiančius šviesos efektus, keičiasi drobės dienos eigoje.

Monet vėl ir vėl nutapė daugybę dalykų, tačiau kiekvienas jo serijos paveikslas yra skirtingas, nesvarbu, ar tai būtų vandens lelijos, ar šieno kupetos paveikslas. Kadangi Monet paveikslai yra išsibarstę po kolekcijas visame pasaulyje, jo serijos paveikslai dažniausiai laikomi grupe tik specialiose parodose. Laimei, Dailės institutas Čikagoje kolekcijoje yra keli Monet monetų šieno kupetų paveikslai, nes jie yra įspūdingi žiūrint kartu:

• Kviečių krūva
• Atlydys, saulėlydis
• Saulėlydis, sniego efektas
• Sniego efektas, debesuota diena
• Vasaros pabaiga

1890 m. Spalio mėn. Monetas parašė menotyrininkui Gustave'ui Geffroy laišką apie jo tapytų šieno kupetų seriją, sakydamas:

„Aš tai sunkiai vertinu, atkakliai dirbu prie įvairių efektų serijos, tačiau šiuo metų laiku saulė leidžiasi taip greitai, kad neįmanoma jos suspėti... kuo toliau, tuo labiau matau, kad reikia atlikti daugybę darbų, kad paverstų tai, ko ieškau: „momentiškumas“, „vokelis“, visų pirma, ta pati šviesa sklinda visame kame... Mane vis labiau užvaldo poreikis perteikti tai, ką patiriu, ir meldžiuosi, kad man liktų dar keli geri metai, nes manau, kad galiu padaryti tam tikrą pažangą ta linkme... " ¹

<sup>Šaltinis: ​
1. Monet pats, p. 172, redagavo Richardas Kendallas, „MacDonald & Co“, Londonas, 1989 m.</sup>

„Vandens lelijos“ - Claude'as Monet

Claude'as Monet'as, „Vandens lelijos“, c. 19140-17, aliejus ant drobės. 65 dydis 3/8 x 56 colių (166,1 x 142,2 cm). Kolekcijoje San Francisko dailės muziejai.

Monet yra bene garsiausias iš impresionistų, ypač dėl savo Giverny sode esančių lelijų tvenkinio atspindžių paveikslų. Šis konkretus paveikslas rodo nedidelį debesėlį viršutiniame dešiniajame kampe ir margą dangaus mėlynę, atsispindinčią vandenyje.

Jei ištirsite Monet sodo nuotraukas, tokias kaip šis Monet lelijų tvenkinys ir lelijų žiedai, palyginsite jas su šiuo paveikslu. pajusti, kaip Monet sumažino savo meno detales, įskaitant tik scenos esmę arba atspindžio, vandens ir lelijos įspūdį gėlė. Spustelėkite nuorodą „Žiūrėti visu dydžiu“ po aukščiau esančia nuotrauka, kad gautumėte didesnę versiją, kurioje lengviau pajusti Monet šepetėlį.

Prancūzų poetas Paulas Claudelas sakė:

„Vandens dėka [Monet] tapo to, ko nematome, tapytoju. Jis kreipiasi į tą nematomą dvasinį paviršių, kuris skiria šviesą nuo atspindžio. Erdvus žydras skysto žydrumo nelaisvėje... Spalva kyla iš vandens dugno debesyse, sūkurinėse voniose “.

^Šaltinis:
Jeano Louis Ferrier ir Yanno Le Pichono puslapis „Mūsų amžiaus menas“

Camille'o Pissarro parašas

Tapytojas Camille'as Pissarro paprastai yra mažiau žinomas nei daugelis jo amžininkų (pvz., Monet), tačiau turi unikalią vietą meno laiko juostoje. Jis dirbo ir impresionistu, ir neoimpresionistu, taip pat darė įtaką tokiems dabar žinomiems menininkams kaip Cézanne, Van Gogh ir Gauguin. Jis buvo vienintelis menininkas, kuris eksponavo visus aštuonis Impresionistų parodos Paryžiuje 1874–1886 m.

Van Gogo autoportretas (1886/1887)

Tai portretas pateikė Vincentas van Gogas yra Čikagos dailės instituto kolekcijoje. Jis buvo nudažytas panašiu į pointilizmą stiliumi, tačiau griežtai laikosi ne tik taškų.

Per dvejus metus, kai jis gyveno Paryžiuje, nuo 1886 iki 1888 metų, Van Gogas nutapė 24 autoportretus. Čikagos meno institutas apibūdino, kad Seurat „taškų technika“ naudojama ne kaip mokslinis, o „intensyvus“ metodas emocinė kalba, „kuria“ raudoni ir žali taškai kelia nerimą ir visiškai atitinka nervinę įtampą, akivaizdžią van Gogo žvilgsnis “.

Po kelerių metų laiške seseriai Wilhelminai Van Gogas parašė:

„Aš pastaruoju metu nutapiau dvi savo nuotraukas, iš kurių viena, mano manymu, yra tikroji nors Olandijoje jie tikriausiai šaipytųsi iš dygstančių idėjų apie portretų tapybą čia... Aš visada manau, kad nuotraukos yra bjaurios, ir man nepatinka jų turėti, ypač ne tų, kuriuos pažįstu ir myliu... fotografijos portretai nudžiūsta daug greičiau nei mes patys, o nupieštas portretas yra dalykas, kuris jaučiamas, daromas su meile ar pagarba vaizduojamam žmogui “.

Šaltinis:
Laiškas Wilhelminai van Gogh, 1889 m. Rugsėjo 19 d

Vincento van Gogo parašas

„Naktinė kavinė“ autorius Van Goghas dabar yra Jeilio universiteto dailės galerijos kolekcijoje. Žinoma, kad Van Gogas pasirašė tik tuos paveikslus, kuriais jis buvo ypač patenkintas, tačiau šio paveikslo atveju neįprasta yra tai, kad jis po savo parašu pridėjo pavadinimą „Le café de Nuit“.
Pastebėkite, kad Van Gogas savo paveiksluose pasirašė tiesiog „Vincentas“, o ne „Vincentas van Gogas“ ar „Van Gogas“.

Laiške broliui Theo, parašytame 1888 m. Kovo 24 d., Jis pasakė:

"Ateityje mano vardas turėtų būti įtrauktas į katalogą, kai jį pasirašau ant drobės, ty Vincentas, o ne Van Gogas, dėl paprastos priežasties, kad jie nežino, kaip čia ištarti pastarąjį vardą."

"Čia" yra Arlesas, Prancūzijos pietuose.
Jei susimąstėte, kaip tariate Van Goghą, prisiminkite, kad tai olandų pavardė, o ne prancūzų ar anglų. Taigi „Gogh“ yra tariamas, taigi jis rimuojasi su škotų „loch“. Tai nėra „goff“ ar „go“.

Žvaigždėta naktis - Vincentas van Gogas

Šis paveikslas, kuris yra galbūt žymiausias Vincento van Gogo paveikslas, yra kolekcijoje Modernaus meno muziejus Niujorke.
Van Gogas nutapė Žvaigždėta naktis birželio mėn., paminėjęs ryto žvaigždę laiške broliui Teo, parašytame apie 1889 m. birželio 2 d.: „Šį rytą aš šalį pro mano langą matė ilgai prieš saulėtekį, be ryto žvaigždės, kuri atrodė labai didelė. "Ryto žvaigždė (iš tikrųjų Veneros planeta, o ne žvaigždė) paprastai laikoma didele balta, nupiešta tik kairėje nuo paveikslo centro.
Ankstesniuose Van Gogo laiškuose taip pat minimos žvaigždės ir naktinis dangus bei jo noras juos nupiešti:

1. "Kada kada turėsiu daryti žvaigždėtą dangų, tą vaizdą, kuris visada mano galvoje?" (Laiškas Emile'ui Bernardui, apie 1888 m. Birželio 18 d.)
2. „Kalbant apie žvaigždėtą dangų, aš labai tikiuosi jį nupiešti ir galbūt vieną iš šių dienų padarysiu“ (Laiškas Theo van Goghui, apie 1888 m. Rugsėjo 26 d.).
3. „Šiuo metu labai noriu nupiešti žvaigždėtą dangų. Man dažnai atrodo, kad naktis vis tiek yra sodresnės spalvos nei diena; turintys intensyviausių violetinių, mėlynų ir žalių atspalvių. Jei tik atkreipsite į tai dėmesį, pamatysite, kad tam tikros žvaigždės yra citrinos geltonos, kitos rožinės arba žalios, mėlynos ir nepamirškite manęs. akivaizdu, kad žvaigždžių dangui nupiešti nepakanka uždėti mažų baltų taškelių ant mėlynai juodos spalvos. "(Laiškas Wilhelminai van Gogh, 1888 m. rugsėjo 16 d.)

„Restaurant de la Sirene“, Asnieres - Vincentas van Gogas

Šis Vincento van Gogo paveikslas yra Ashmolean muziejaus kolekcijoje Oksforde, Didžiojoje Britanijoje. Van Gogas jį nupiešė netrukus po to, kai 1887 m. Atvyko į Paryžių gyventi su broliu Teo Monmartre, kur Theo vadovavo meno galerijai.
Pirmą kartą Vincentas buvo paveiktas impresionistų (ypač Monet) paveikslų ir susitiko su tokiais menininkais kaip Gauguinas, Tulūza-Lotrekas, Emilis Bernardas ir Pissarro. Palyginti su ankstesniu jo darbu, kuriame vyravo tamsūs žemės atspalviai, būdingi Šiaurės Europos tapytojams, pavyzdžiui, Rembrandtui, šis paveikslas rodo šių menininkų įtaką jam.
Jo naudojamos spalvos pašviesėjo ir paryškėjo, o jo teptukas tapo laisvesnis ir labiau matomas. Pažvelkite į šias paveikslo detales ir pamatysite, kaip jis naudojo nedidelius grynos spalvos potėpius, išskirtus. Jis nemaišo drobės spalvų, bet leidžia tai padaryti žiūrovo akyse. Jis bando skaldyta spalva impresionistų požiūris.
Palyginti su vėlesniais jo paveikslais, spalvų juostelės yra išdėstytos viena nuo kitos, tarp jų matomas neutralus fonas. Jis dar neuždengia visos drobės prisotinta spalva ir neišnaudoja galimybių naudoti teptukus, kad sukurtų faktūrą pačiuose dažuose.

„Sirene“ restoranas, Asnieres, Vincentas van Gogas (išsami informacija)

Šios Van Gogo paveikslo „Restoranas de la Sirene“ (Asnieres restorane, esančiame Ashmolean muziejaus kolekcijoje) detalės rodo, kaip jis po ekspozicijos su impresionistų ir kitų šiuolaikinių paryžiečių paveikslais eksperimentavo su savo teptuku ir teptukais menininkai.

„Keturi šokėjai“ - Edgaras Degas

Edgaras Degas, „Keturi šokėjai“, apie. 1899. Aliejus ant drobės. Dydis 59 1/2 x 71 colių (151,1 x 180,2 cm). Viduje konors Nacionalinė dailės galerija, Vašingtonas.

„Menininko motinos portretas“ - Švilpikas

Tai galbūt garsiausias Whistlerio paveikslas. Visas jo pavadinimas yra „Aranžuotė pilkai ir juodai Nr. 1, menininko motinos portretas“. Jo mama sutiko pozuoti paveikslui, kai susirgo modelis Whistleris. Iš pradžių jis paprašė jos pozuoti stovint, bet, kaip matote, jis pasidavė ir leido jai atsisėsti.
Ant sienos yra Whistlerio ofortas „Juodasis liūto prieplauka“. Jei labai atidžiai žiūrėsite į užuolaidą viršuje kairėje oforto rėmo, pamatysite lengvesnį dėmę, tai drugelio simbolis Whistleris naudojo pasirašydamas savo paveikslus. Simbolis ne visada buvo tas pats, bet jis pasikeitė, o jo forma naudojama jo meno kūriniams datuoti. Yra žinoma, kad jis jį pradėjo naudoti iki 1869 m.

„Viltis II“ - Gustavas Klimtas

"Kas nori ką nors sužinoti apie mane - kaip menininką, vienintelį pastebimą dalyką - turėtų atidžiai žiūrėti į mano paveikslėlius ir pabandyti juose įžvelgti, koks aš esu ir ką noriu veikti." Klimtas.

Gustavas Klimtas nutapė II viltis ant drobės 1907/8/8, naudojant aliejinius dažus, auksą ir platiną. Jo dydis yra 43,5x43,5 "(110,5 x 110,5 cm). Paveikslas yra. Kolekcijos dalis Modernaus meno muziejus Niujorke.
II viltis yra gražus pavyzdys Klimto aukso lapų naudojimas paveiksluose ir jo turtingas dekoratyvinis stilius. Pažvelkite į tai, kaip jis nutapė drabužį, kurį dėvėjo pagrindinė figūra, kaip tai abstrakta forma, dekoruota apskritimais, tačiau mes vis tiek „skaitome“ kaip apsiaustą ar suknelę. Kaip apačioje jis įsilieja į tris kitus veidus.
Meno kritikas Frankas Whitfordas savo iliustruotoje Klimto biografijoje sakė:

Klimtas "pritaikė tikrą aukso ir sidabro lapą, kad dar labiau padidintų įspūdį, kad paveikslas yra brangus objektas, ne nuotoliniu būdu veidrodis, kuriame galima įžvelgti gamtą, bet kruopščiai suformuotas dirbinys “. ²

Tai simbolika, kuri vis dar laikoma galiojančia šiais laikais, atsižvelgiant į tai, kad auksas vis dar laikomas vertinga preke.
Klimtas gyveno Vienoje Austrijoje ir įkvėpimo sėmėsi labiau iš Rytų, nei iš Vakarų, iš „tokių šaltinių kaip Bizantijos menas, mikėnų metalo dirbiniai, persų kilimai ir miniatiūros, Ravenos bažnyčių mozaika ir japonų kalba ekranai “. ³
Šaltinis:
1. Menininkai kontekste: Gustav Klimt Frank Whitford (Collins & Brown, London, 1993), galinis viršelis.
2. Ten pat. p82.
3. „MoMA“ svarbiausi dalykai (Modernaus meno muziejus, Niujorkas, 2004), p. 54

Pikaso parašas

Tai yra Pikaso ant savo 1903 m. paveikslo (iš mėlynojo laikotarpio) pavadinimu „Absento gėrėjas“.
Picasso eksperimentavo su įvairiomis sutrumpintomis jo vardo, kaip jo tapybos parašo, versijomis, įskaitant apskrito inicialus, prieš nustatydamas „Pablo Picasso“. Šiandien mes paprastai girdime, kaip jis vadinamas tiesiog - Pikaso.

Jo vardas buvo visas: Pablo, Digo, Jose, Francisco de Paula, Juanas Nepomuceno, Maria de los Remedios, Cipriano, de la Santisima Trinidadas, Ruizas Picasso¹.
​
<sub>Šaltinis:
1. Natasha Staller „Sunaikinimų suma: Pikaso kultūros ir kubizmo sukūrimas“. Jeilio universiteto leidykla. P. 209.</sub>

„Absento gėrėjas“ - Picasso

Šį paveikslą Picasso sukūrė 1903 m., Jo mėlynojo laikotarpio metu (tuo metu, kai Picasso paveiksluose dominavo mėlyni tonai; kai jam buvo dvidešimt metų). Jame vaidina menininkas Angelas Fernandezas de Soto, kuris entuziastingiau vaišinosi ir gėrė nei jo paveikslas¹ir du kartus pasidalino studija su Picasso Barselonoje.
Paveikslą aukcione 2010 m. Birželio mėn. Pateikė Andrew Lloydo Webberio fondas, kai JAV buvo pasiektas neteisminis susitarimas dėl nuosavybės, po vokiečių-žydų bankininko Paulo von Mendelssohno-Bartholdy palikuonių teiginio, kad paveikslas buvo priverstas 1930-aisiais nacių režimo metu Vokietija.

<sub>Šaltinis:
1. Christie aukcionų namai pranešimas spaudai, „Christie's Picasso šedevrą“, 2010 m. Kovo 17 d.</sub>

„Tragedija“ - Picasso

Pablo Picasso, „Tragedija“, 1903 m. Aliejus ant medžio. 41 dydis: 105,3 x 69 cm (7/16 x 27 3/16 colių). Viduje konors Nacionalinė dailės galerija, Vašingtonas.

Tai jo mėlynasis laikotarpis, kai jo paveiksluose, kaip rodo pavadinimas, dominavo bliuzas.

Picasso eskizas, skirtas jo garsiajai „Guernica“ tapybai

Planuodamas ir dirbdamas didžiulį paveikslą „Gernika“, Picasso atliko daug eskizų ir tyrimų. Nuotraukoje matomas vienas jo kompozicija eskizai, kurie patys savaime nelabai atrodo, surašytų linijų kolekcija.

Užuot bandę iššifruoti, kokie gali būti įvairūs dalykai ir kur jie yra paskutiniame paveiksle, galvokite apie tai kaip apie Pikaso trumpinį. Paprasta ženklų darymas už vaizdus, ​​kuriuos jis laikė mintyse. Sutelkite dėmesį į tai, kaip jis tai naudoja, kad nuspręstų, kur dėti paveikslo elementus, į šių elementų sąveiką.

„Gernika“ - Pikaso

Šis garsus Picasso paveikslas yra didžiulis: 11 pėdų 6 colių aukščio ir 25 pėdų 8 colių pločio (3,5 x 7,76 metro). Pikasas ją nutapė užsakydamas Ispanijos paviljoną 1937 m. Pasaulinėje mugėje Paryžiuje. Tai muziejuje „Reina Sofia“ Madride, Ispanijoje.

„Portrait de Mr Minguell“ - Picasso

Pikasas šį portretinį paveikslą padarė 1901 m., Kai jam buvo 20 metų. Tiriamasis Katalonijos siuvėjas p. Minguellas, kurį, kaip manoma, Picasso supažindino jo meno pardavėjas ir draugas Pedro Manachas¹. Šis stilius parodo Picasso tradicinės tapybos mokymą ir tai, kiek jo tapybos stilius vystėsi per savo karjerą. Tai, kad jis nutapytas ant popieriaus, yra ženklas, kad tai buvo padaryta tuo metu, kai Pikasas buvo sulaužytas, dar neuždirbdamas pakankamai pinigų iš savo meno, kad tapytų ant drobės.

Picasso padovanojo paveikslą Minguellui, tačiau vėliau jį nusipirko ir vis dar turėjo, kai mirė 1973 m. Paveikslas buvo uždėtas ant drobės ir greičiausiai taip pat restauruotas vadovaujant Picasso „kažkada iki 1969 m.“², kai ji buvo nufotografuota Christiano Zervoso knygai apie Pikasą.

Kitą kartą dalyvausite viename iš tų vakarėlių vakarėlių ginčų, kaip visi ne realistai tapytojai tik piešia abstraktus, kubistas, fovistas, impresionistas, pasirinkite savo stilių, nes jie negali padaryti „tikrų paveikslų“, paklauskite asmens, ar jie priskyrė „Picasso“ šiai kategorijai (dauguma jų daro), tada paminėkite šį paveikslą.

_{Šaltinis:
1 & 2. Išpardavimas „Bonhams 17802“. Išsami informacija apie impresionistų ir modernaus meno pardavimą 2010 m. Birželio 22 d. (Žiūrėta 2010 m. Birželio 3 d.)}

„Dora Maar“ arba „Tête De Femme“ - Picasso

Parduodamas aukcione 2008 m. Birželio mėn. Šis Pikaso paveikslas buvo parduotas už 7 881 250 svarų (15 509 512 JAV dolerių). Aukciono sąmata buvo nuo trijų iki penkių milijonų svarų.

Les Demoiselles d'Avignon - Picasso

Šis milžiniškas Picasso paveikslas (beveik aštuonių kvadratinių pėdų) yra paskelbtas kaip vienas svarbiausių kada nors sukurtų šiuolaikinio meno kūrinių, jei ne svarbiausias, itin svarbus paveikslas plėtojant šiuolaikinį meną. Paveiksle vaizduojamos penkios moterys - prostitutės viešnamyje, tačiau daug diskutuojama apie tai, ką visa tai reiškia, ir apie visas jame esančias nuorodas bei įtakas.
Menotyrininkas Jonathanas Jonesas¹ sako:

"Tai, kas patiko Picasso apie afrikietiškas kaukes [tai matyti iš dešinėje esančių figūrų veidų], buvo akivaizdžiausias dalykas: kad jie jus užmaskuoja, paverčia kažkuo kitu - gyvūnu, demonu, a dieve. Modernizmas yra menas, kuris nešioja kaukę. Nenurodoma, ką tai reiškia; tai ne langas, o siena. Savo temą Picasso pasirinko būtent todėl, kad tai buvo klišė: jis norėjo parodyti, kad originalumas mene slypi ne pasakojime ar moralėje, o formaliame išradime. Štai kodėl klaidinga matyti „Les Demoiselles d'Avignon“ kaip paveikslą „apie viešnamius, paleistuves ar kolonializmą“.

Šaltinis:
1. Pablo pankai pateikė Jonathan Jones, Globėjas, 2007 m. Sausio 9 d.

„Moteris su gitara“ - Georgesas Braque'as

Georgesas Braque'as, Moteris su gitara, 1913. Aliejus ir anglis ant drobės. 51 1/4 x 28 3/4 colių (130 x 73 cm). Moderne Musee National d'Art Moderne, Centre Georges Pompidou, Paryžius.

Raudonoji studija - Henri Matisse

Šis paveikslas yra. Kolekcijoje Modernaus meno muziejus (Moma) Niujorke. Tai rodo Matisse'o tapybos studijos interjerą su išlyginta perspektyva arba viena paveikslo plokštuma. Jo studijos sienos iš tikrųjų nebuvo raudonos, jos buvo baltos; paveikslui jis naudojo raudoną spalvą.
Jo studijoje eksponuojami įvairūs jo meno kūriniai ir studijos baldai. Jo studijos baldų kontūrai yra dažų linijos, atskleidžiančios spalvą iš apatinio, geltono ir mėlyno sluoksnio, nedažytos ant raudonos spalvos.

1. „Kampuotos linijos rodo gylį, o mėlynai žalia lango šviesa sustiprina vidinės erdvės pojūtį, tačiau raudonos spalvos platumas suvienodina vaizdą. Matisse'as sustiprina šį efektą, pavyzdžiui, praleisdamas vertikalią kambario kampo liniją “.
- „MoMA Highlights“, paskelbta „Moma“, 2004, 77 psl.

2. "Visi elementai... paskandinkite savo individualias tapatybes, kurios tapo ilgalaike meditacija apie meną ir gyvenimą, erdvę, laiką, suvokimą ir pačios tikrovės prigimtį... Vakarų tapybos kryžkelė, kur klasikinis į išorę nukreiptas, daugiausia reprezentacinis praeities menas sutiko laikiną, internalizuotą ir į save orientuotą ateities etosą... "
- Hilary Spurling,, 81 puslapis.

Šokis - Henri Matisse

Viršutinėje nuotraukoje matomas baigtas Matisse paveikslas pavadinimu Šokis, baigtas statyti 1910 m., o dabar Sankt Peterburge, Rusijoje, esančiame valstybiniame Ermitažo muziejuje. Apatinėje nuotraukoje parodytas viso dydžio kompozicinis tyrimas, kurį jis padarė paveikslui, dabar MAMA Niujorke, JAV. Matisse'as ją nutapė užsakydamas Rusijos meno kolekcininkui Sergejui Ščukinui.
Tai didžiulis paveikslas, beveik keturių metrų pločio ir pustrečio metro aukščio (12 '9 1/2 "x 8' 6 1/2") ir nutapytas palete, kurią sudaro tik trys spalvos: raudona, žalia ir mėlyna. Manau, kad tai paveikslas, parodantis, kodėl Matisse'as turi tokią spalvininko reputaciją, ypač kai palygini tyrimą su galutiniu paveikslu su švytinčiomis figūromis.
Savo biografijoje apie Matisse'ą (30 puslapyje) Hilary Spurling sako:

"Tie, kurie pamatė pirmąją" Šokis apibūdino jį kaip blyškų, subtilų, net svajingą, nudažytą padidintomis spalvomis... antroje versijoje į nuožmų, plokščią vermilijonų figūrų frizą, vibruojančią ryškiai žalios ir dangaus juostomis. Amžininkai paveikslą vertino kaip pagonišką ir dionisišką “.

Atkreipkite dėmesį į išlygintą perspektyvą, kaip figūros yra vienodo dydžio, o ne tos, kurios yra toliau nuo mažesnių, kaip atsitiktų perspektyvoje ar trumpai reprezentacinių paveikslų atveju. Kaip kreiva linija tarp mėlynos ir žalios už figūrų, atspindinti figūrų ratą.

„Paviršius buvo nuspalvintas iki prisotinimo iki taško, kuriame galutinai buvo mėlyna, absoliučios mėlynos spalvos idėja. Ryškiai žalia žemei ir gyvybinga vermilija kūnams. Su šiomis trimis spalvomis turėjau savo šviesos harmoniją ir tono grynumą. "- Matisse'as

Šaltinis:
Grego Harriso „Įvadas į parodą„ Iš Rusijos “mokytojams ir studentams“, Karališkoji dailės akademija, Londonas, 2008 m.

Įžymūs tapytojai: Willemas de Kooningas

Tapytojas Willemas de Kooningas gimė Roterdame, Nyderlanduose, 1904 m. Rugpjūčio 24 d., O mirė Long Ailende, Niujorke, 1997 m. Kovo 19 d. De Kooningas mokėsi komercinio meno ir dekoravimo firmos, kai jam buvo 12 metų, ir aštuonerius metus lankė vakarinius užsiėmimus Roterdamo dailės ir technikos akademijoje. Jis emigravo į JAV 1926 m., O visą laiką pradėjo tapyti 1936 m.

De Kooningo tapybos stilius buvo abstraktus ekspresionizmas. Pirmąją personalinę parodą Niujorko Charleso Egano galerijoje jis surengė 1948 m., O kūryba buvo padaryta juodai baltais emaliniais dažais. (Jis pradėjo naudoti emalinius dažus, nes negalėjo sau leisti dailininko pigmentų.) Iki 1950 m. Jis buvo pripažintas vienas iš abstrakčiojo ekspresionizmo lyderių, nors kai kurie stiliaus puristai manė, kad jo paveikslai (pvz., jo Moteris serijos) apima per daug žmogaus formos.

Jo paveiksluose yra daugybė sluoksnių, elementai sutampa ir paslėpti, kai jis perdirbo ir perdirbo paveikslą. Leidžiama rodyti pakeitimus. Ant drobių jis daug piešė anglimi, pradinei kompozicijai ir tapydamas. Jo teptukas yra gestiškas, išraiškingas, laukinis, o už smūgių jaučiamas energijos jausmas. Galutinis paveikslų žvilgsnis buvo atliktas, bet taip nebuvo.

De Kooningo meninė kūryba apėmė beveik septynis dešimtmečius ir apėmė paveikslus, skulptūras, piešinius ir spaudinius. Devintojo dešimtmečio pabaigoje jo paskutiniai paveikslai „Šaltinis“. Garsiausi jo paveikslai yra Rožiniai angelai (c. 1945), Kasimas (1950), o jo trečiasis Moteris serijos (1950–53), atliktos tapybiškesniu stiliumi ir improvizaciniu požiūriu. 4-ajame dešimtmetyje jis vienu metu dirbo abstrakčiais ir reprezentaciniais stiliais. Jo proveržis įvyko su juodai baltomis abstrakčiomis kompozicijomis 1948–49 m. 5-ojo dešimtmečio viduryje jis nutapė miesto abstrakcijas, grįždamas prie figūracijos 1960-aisiais, po to prie didelių gestų abstrakcijų 1970-aisiais. Devintajame dešimtmetyje de Kooningas perėjo prie darbo ant lygių paviršių, glazūruodamas ryškiomis, skaidriomis spalvomis virš gestų piešinių fragmentų.

Amerikos gotika - Grantas Woodas

Amerikos gotika yra bene garsiausias iš visų kada nors sukurtų amerikiečių dailininko Granto Woodo paveikslų. Dabar jis yra Čikagos meno institute.

Grantas Woodas 1930 metais nutapė „Amerikos gotiką“. Jame vaizduojamas vyras ir jo dukra (ne jo žmona¹) stovinčius priešais jų namus. Grantas pamatė paveikslą įkvėpusį pastatą Ajovos valstijos Eldone. Architektūrinis stilius yra amerikiečių gotika, kur paveikslas gauna savo pavadinimą. Paveikslo modeliai buvo Woodo sesuo ir jų odontologė.². Paveikslas yra pasirašytas šalia apatinio krašto, ant vyro kombinezono, nurodant menininko vardą ir metus (Grant Wood 1930).

Ką reiškia paveikslas? Woodas tai suprato kaip orų vidurio vakarų amerikiečių charakterio perteikimą, parodantį jų puritonišką etiką. Bet tai gali būti vertinama kaip komentaras (satyra) apie kaimo gyventojų netoleranciją pašaliečiams. Paveikslo simbolika apima sunkų darbą (špagatas) ir buitį (gėlių vazonai ir kolonijinės spaudos prijuostė). Atidžiai įsižiūrėję pamatysite, kad trys kombinezono dygsniai nuaidėjo vyro kombinezono siūlėse, tęsdami marškinių juosteles.

^{Šaltinis:
Amerikos gotika, Čikagos meno institutas, gauta 2011 m. Kovo 23 d.}

„Šv. Kryžiaus Jono Kristus“ - Salvadoras Dali

Šis paveikslas Salvadoras Dali yra kolekcijos Kelvingrove meno galerija ir muziejus Glazge, Škotijoje. Pirmą kartą ji pasirodė galerijoje 1952 m. Birželio 23 d. Paveikslas buvo nupirktas už 8200 svarų sterlingų, o tai buvo laikoma aukšta kaina, net jei ji apėmė autorių teises, kurios leido galerijai uždirbti dauginimo mokesčius (ir parduoti nesuskaičiuojamą kiekį atvirukų!).
Daliui buvo neįprasta parduoti paveikslo autorių teises, tačiau pinigų jam reikėjo. (Autoriaus teisės priklauso atlikėjui, nebent jis yra pasirašytas, žr Atlikėjo autorių teisių DUK.)

„Matyt, turėdamas finansinių sunkumų, Dali iš pradžių paprašė 12 000 svarų, tačiau po sunkių derybų... jis jį pardavė už beveik trečdalį pigiau ir 1952 m. pasirašė laišką [Glazgo] miestui, perduodamas autorių teises.

Paveikslo pavadinimas yra nuoroda į piešinį, kuris įkvėpė Dali. Tušinuko ir rašalo piešimas buvo atliktas po to, kai Šventasis Kryžiaus Jonas (ispanų karmelitų brolis, 1542–1591) regėjo, kad jis matė Kristaus nukryžiavimą taip, tarsi į jį žiūrėtų iš viršaus. Kompozicija yra įspūdinga dėl neįprasto Kristaus nukryžiavimo požiūrio, apšvietimas yra dramatiškas ir stiprus šešėliaiir puikiai naudojamas trumpalaikis paveiksle. Kraštovaizdis paveikslo apačioje yra Dali gimtojo miesto Port Lligat uostas Ispanijoje.
Paveikslas buvo prieštaringai vertinamas daugeliu atžvilgių: suma, kuri buvo sumokėta už jį; tema; stiliaus (kuris pasirodė retro, o ne modernus). Daugiau apie paveikslą skaitykite galerijos svetainėje.

Šaltinis:
"Siurrealistinis „Dali“ vaizdų atvejis ir kova dėl meninės licencijos"Severinas Carrellas, Globėjas, 2009 m. Sausio 27 d

„Campbell“ sriubos skardinės - Andy Warholas

Andy Warholo detalė „Campbell“ sriubos skardinės. Akrilas ant drobės. 32 paveikslai po 20x16 "(50,8x40,6cm). Kolekcijoje Modernaus meno muziejus (MoMA) Niujorke.
Pirmą kartą Warholas savo „Campbell“ sriubos skardinių paveikslų seriją eksponavo 1962 m., Kiekvieno paveikslo dugnas atsidūrė lentynoje kaip skardinė prekybos centre. Šioje serijoje yra 32 paveikslai - sriubų veislių skaičius, kurį tuo metu pardavė „Campbell's“.
Jei įsivaizdavote, kad Warholas sandėliuoja savo sandėliuką su sriubos skardinėmis, tada valgo skardinę taip, kaip baigė tapyti, na, atrodo, kad ne. Kaip rašoma „Moma“ svetainėje, Warholas naudojo „Campbell's“ produktų sąrašą, kad kiekvienam paveikslui būtų suteiktas skirtingas skonis.
Paklaustas apie tai, Warholas pasakė:

„Anksčiau gėriau. Aš įpratau kasdien tuos pačius pietus, dvidešimt metų, spėju, tą patį dar ir dar kartą “.¹

Warholas taip pat, matyt, neturėjo užsakymo, kuriame norėtų, kad paveikslai būtų rodomi. Moma vaizduoja paveikslus „eilėmis, atspindinčiomis chronologinę [sriubų] įvedimo tvarką, pradedant„ Pomidorais “viršutiniame kairiajame kampe, kuris debiutavo 1897 m.“.

Taigi, jei piešiate seriją ir norite, kad jos būtų rodomos tam tikra tvarka, būtinai tai pažymėkite kažkur. Galutinis drobių kraštas yra turbūt geriausias, nes tada jis nebus atskirtas nuo paveikslo (nors jis gali būti paslėptas, jei paveikslai yra įrėminti).
Warholas yra menininkas, kurį dažnai pamini tapytojai, norintys padaryti išvestinius kūrinius. Prieš atliekant panašius dalykus, verta atkreipti dėmesį į du dalykus:

1. Įjungta „Moma“ svetainė, yra „Campbell's Soup Co“ licencijos nuoroda (t. y. licencijų sutartis tarp sriubos įmonės ir menininko turto).
2. Atrodo, kad autorių teisių vykdymas Warholo dienomis buvo ne tokia aktuali problema. Negalima daryti prielaidų dėl autorių teisių remiantis Warholo darbu. Atlikite tyrimą ir nuspręskite, koks jūsų susirūpinimas dėl galimo autorių teisių pažeidimo atvejo.

Campbellas neįpareigojo Warholo atlikti paveikslų (nors vėliau 1964 m. Jie užsakė vieną iš pareigų einančiam valdybos pirmininkui) ir buvo susirūpinęs, kai 1962 m. šis prekės ženklas pasirodė Warholo paveiksluose, pasirinkdamas laukimo principą ir įvertindamas, koks buvo atsakymas į Tapyba. 2004, 2006 ir 2012 metais „Campbell“ pardavė skardines su specialiomis „Warhol“ atminimo etiketėmis.

<sub>Šaltinis:
1. Kaip cituojama Mama, žiūrėta 2012 m. rugpjūčio 31 d.</sub>

Didesni medžiai šalia Warterio - Davidas Hockney

Į viršų: Menininkas Davidas Hockney, stovintis šalia dalies savo aliejinio paveikslo „Didesni medžiai šalia Warterio“, kurį jis padovanojo Tate Britain 2008 m. Balandžio mėn.
Apačia: Pirmą kartą paveikslas buvo eksponuotas 2007 m. Vasaros parodoje Londono Karališkojoje akademijoje, užimant visą sieną.
David Hockney aliejinė tapyba „Didesni medžiai šalia Warter“ (dar vadinama „Peinture en Plener Air pour l'age Post-Photographique“) vaizduojama scena netoli Bridlingtono Jorkšyre. Paveikslas, pagamintas iš 50 drobių, išdėstytų vienas šalia kito. Susumavus, bendras paveikslo dydis yra 40x15 pėdų (4,6x12 metrų).
Tuo metu, kai Hockney ją nutapė, tai buvo didžiausias kūrinys, kurį jis kada nors užbaigė, nors ir ne pirmą, kurį jis sukūrė naudodamas kelias drobes.

" Aš tai padariau, nes supratau, kad galiu tai padaryti be kopėčių. Kai tapai, turi sugebėti atsitraukti. Na, yra menininkų, kurie buvo nužudyti atsitraukiant nuo kopėčių, ar ne?"
- Hockney cituojamas a Reuteris naujienų ataskaita, 2008 m. balandžio 7 d.

Kompozicijai ir tapybai Hockney naudojo piešinius ir kompiuterį. Užbaigus skyrių, buvo padaryta nuotrauka, kad jis galėtų visą paveikslą pamatyti kompiuteryje.

„Pirmiausia Hockney nubraižė tinklelį, parodantį, kaip scena derės per 50 plokščių. Tada jis pradėjo dirbti prie atskirų plokščių in situ. Kai jis dirbo su jais, jie buvo nufotografuoti ir padaryti iš kompiuterio mozaikos, kad jis galėtų pavaizduoti savo pažangą, nes vienu metu ant sienos galėjo turėti tik šešias plokštes “.

Šaltinis:
Charlotte Higgins, globėjas meno korespondentas, Hockney dovanoja Tate'ui didžiulį darbą, 2008 m. Balandžio 7 d.

Henry Moore'o karo paveikslai

Henry Moore paroda Londono „Tate Britain“ galerijoje vyko 2010 m. vasario 24 - rugpjūčio 8 d.

Britų menininkas Henry Moore'as labiausiai garsėja savo skulptūromis, tačiau taip pat žinomas dėl savo rašalo, vaško ir akvarelės paveikslai, kuriuose vaizduojami žmonės, kurie per Antrąjį pasaulinį karą priglaudė Londono metro stotyse. Moore'as buvo oficialus karo artistas, o 2010 m Henry Moore paroda „Tate Britain“ galerijoje yra tam skirtas kambarys. Pagamintas tarp 1940 m. Rudens ir 1941 m. Vasaros, jo vaizdai apie miegančias figūras glaudėsi traukinyje tuneliai užvaldė kančios jausmą, kuris pakeitė jo reputaciją ir turėjo įtakos populiariam žmonių suvokimui Blitz. 1950-ųjų jo darbai atspindėjo karo pasekmes ir tolesnio konflikto perspektyvą.
Moore'as gimė Jorkšyre ir 1919 m., Tarnavęs Pirmajame pasauliniame kare, mokėsi Lydso meno mokykloje. 1921 m. Jis laimėjo stipendiją Karališkajame koledže Londone. Vėliau dėstė Karališkajame koledže, taip pat „Chelsea“ meno mokykloje. Nuo 1940 m. Moore'as gyveno Perry Green mieste Hertfordšyre, kuriame dabar gyvena Henry Moore fondas. 1948 m. Venecijos bienalėje Moore'as laimėjo tarptautinį skulptūros apdovanojimą.

„Frankas“ - Chuckas Close

Chucko Close'o „Frankas“, 1969 m. Akrilas ant drobės. Dydis 108 x 84 x 3 colių (274,3 x 213,4 x 7,6 cm). Viduje konors Mineapolio meno institutas.

Luciano Freudo autoportretas ir nuotraukų portretas

Menininkas Liucianas Freudas garsėja intensyviu, neatlaidžiu žvilgsniu, tačiau, kaip rodo šis autoportretas, jis pasuka ne tik savo modelius, bet ir save.

1. "Manau, kad puikus portretas yra susijęs su... jausmas ir individualumas, dėmesio intensyvumas ir dėmesys konkrečiam “. ¹
2. "... jūs turite pabandyti tapyti save kaip kitą asmenį. Su autoportretais „panašumas“ tampa kitu dalyku. Turiu daryti tai, ką jaučiu, nebūdamas ekspresionistas “. ²

<sup>Šaltinis:
1. Lucianas Freudas, cituojamas Freudo darbe p32-3. 2. Lucianą Freudą Lucianas Freudas cituoja William Feaver („Tate Publishing“, Londonas 2002), p.</sup>

„Monos Lizos tėvas“ - žmogus Rėjus

Man Ray 1967 m. „Monos Lizos tėvas“. Ant medienos plaušų plokštės pritvirtinto piešinio, į kurį pridėta cigaro, reprodukcija. Dydis 18 x 13 5/8 x 2 5/8 colių (45,7 x 34,6 x 6,7 cm). Kolekcijoje Hirshorno muziejus.
Daugelis žmonių žmogų Ray sieja tik su fotografija, tačiau jis taip pat buvo menininkas ir tapytojas. Jis draugavo su menininku Marceliu Duchampu ir dirbo su juo bendradarbiaudamas.
1999 m. Gegužės mėn. Meno naujienos žurnalas įtraukė „Man Ray“ į 25 įtakingiausių 20-ojo amžiaus menininkų sąrašą dėl jo fotografijos ir „filmų, tapybos, skulptūros, koliažo, asambliažo tyrinėjimų. Šie prototipai ilgainiui būtų vadinami performanso ir konceptualiaisiais menais “.

„Art News“ sakė:

„Žmogus Rėjus pasiūlė menininkams visose žiniasklaidos priemonėse kūrybinio intelekto pavyzdį, kuris„ siekdamas malonumo ir laisvės “[nurodė Manas Ray principai] atrakino visas duris, prie kurių ateidavo, ir laisvai vaikščiodavo ten, kur norėtų. "(Citatos šaltinis:„ Art News “, 1999 m. gegužės mėn.,„ Valingas provokatorius “, AD Coleman.)

Šis kūrinys „Monos Lizos tėvas“ parodo, kaip gana paprasta idėja gali būti veiksminga. Visų pirma sunkiausia yra sugalvoti šią idėją; kartais jie ateina kaip įkvėpimo blyksnis; kartais kaip idėjų šturmo dalis; kartais kuriant ir įgyvendinant idėją ar mintį.

Įžymūs tapytojai: Yvesas Kleinas

Retrospektyva: Yveso Kleino paroda Hirshhorno muziejuje Vašingtone, JAV, nuo 2010 m. Gegužės 20 d. Iki rugsėjo 12 d.

Menininkas Yvesas Kleinas yra bene labiausiai žinomas dėl savo vienspalvių meno kūrinių su ypatinga mėlyna spalva (žr., Pavyzdžiui, „Gyvasis teptukas“). IKB arba „International Klein Blue“ yra jo suformuotas ultramarino mėlynasis.

Vadindamas save „kosmoso dailininku“, Kleinas „siekė nematerialaus dvasingumo per gryną spalvą“ ir rūpinosi „šiuolaikinėmis sąvokomis apie konceptualų meno pobūdį“.¹.

Kleino karjera buvo gana trumpa, mažiau nei dešimt metų. Pirmasis viešas jo darbas buvo menininko knyga Yvesas Peinturesas („Yveso paveikslai“), išleista 1954 m. Pirmoji vieša jo paroda buvo 1955 m. Jis mirė nuo širdies smūgio 1962 m., Būdamas 34 metų. (Kleino gyvenimo laiko juosta nuo Yveso Kleino archyvai.)

<sub>Šaltinis:
1. Yvesas Kleinas: su tuštumu, visomis galiomis, Hirshhorno muziejus, http://hirshhorn.si.edu/exhibitions/view.asp? key = 21 & subkey = 252, žiūrėta 2010 m. gegužės 13 d.</sub>

„Gyvasis teptukas“ - Yvesas Kleinas

Šis prancūzų menininko paveikslas Yvesas Kleinas (1928-1962) yra viena iš serijų, kurioje jis naudojo „gyvus teptukus“. Moteris nuogas moteris padengė savo firminiais mėlynais dažais (International Klein Blue, IKB), o tada - performanso meno kūrinyje, žiūrovų akivaizdoje „nupieštu“ ant didelių popieriaus lapų, nukreipdamas juos žodžiu.
Pavadinimas "ANT154" yra kilęs iš menotyrininko Pierre'o Restany komentaro, apibūdinančio paveikslai, sukurti kaip „mėlynojo laikotarpio antropometrija“. Kleinas kaip seriją naudojo akronimą ANT pavadinimas.

Juodoji tapyba - Adas Reinhardtas

„Spalvose yra kažkas negerai, neatsakinga ir be proto; ko neįmanoma suvaldyti. Kontrolė ir racionalumas yra mano moralės dalis “. - Adas Reinhardas 1960 m ¹

Šis monochrominis amerikiečių menininko Ad Reinhardt (1913–1967) paveikslas yra Niujorko modernaus meno muziejuje („Moma“). Tai 60x60 "(152,4x152,4cm), aliejus ant drobės, dažytas 1960-61 m. Paskutinį dešimtmetį ir šiek tiek savo gyvenimo (mirė 1967 m.) Reinhardtas paveiksluose naudojo tik juodą spalvą.
Amy Sia, nufotografavusi, sako, kad tvarkdarys nurodo, kaip paveikslas padalijamas į devynis kvadratus, kurių kiekvienas yra skirtingo juodo atspalvio.
Nesijaudinkite, jei to nematote nuotraukoje. Sunku pamatyti, net kai esi priešais paveikslą. Joje esė apie Reinhardtą „Guggenheim“ atveju Nancy Spector apibūdina Reinhardto drobes kaip „prislopintus juodus kvadratus, kuriuose yra vos pastebimos kryžiaus formos [kurios] meta iššūkį matomumo riboms“. ².
<sup>Šaltinis:
1. Spalva mene John Gage, p. 205
2. Reinhardt, Nancy Spector, Guggenheimo muziejus (žiūrėta 2013 m. Rugpjūčio 5 d.)</sup>

Jono dorybės Londono paveikslas

Britų menininkas Johnas Virtue'as nuo 1978 metų piešė abstrakčius peizažus tik juodai baltais. Londono nacionalinės galerijos parengtame DVD diske Virtue sako, kad darbas nespalvotai verčia jį „būti išradingu... išradinėti“. Kramtomoji spalva “gilėja mano jausmas, kokia yra spalva... Pojūtis iš tikrųjų to, ką matau, yra geriausias, tiksliau ir labiau perteiktas neturint aliejaus paletės tapyti. Spalva būtų akligatvis “.
Tai vienas iš Johno Virtue'o Londono paveikslų, padarytas jam dirbant Nacionalinės galerijos asocijuotu dailininku (nuo 2003 iki 2005). Nacionalinės galerijos svetainė apibūdina dorybės paveikslus kaip „turinčius giminystės ryšių su rytietišku teptiniu tapymu ir amerikiečių abstrakčiu ekspresionizmu“ ir glaudžiai susijusius su „didžiuoju anglų kalba“. peizažistai Turneris ir Constable'as, kuriais dorybė nepaprastai žavisi ", taip pat yra paveikti Olandijos ir Flandrijos kraštovaizdžių Ruisdael, Koninck ir Rubensas “.
Dorybė savo paveikslams nesuteikia pavadinimų, tik numerius. Interviu 2005 m. Balandžio mėn Menininkai ir iliustratoriai žurnale „Dorybė“ sako, kad chronologiškai pradėjo skaičiuoti savo darbus dar 1978 m., kai pradėjo dirbti nespalvotai:

„Nėra hierarchijos. Nesvarbu, ar tai 28 pėdos, ar trys coliai. Tai neverbalinis mano egzistavimo dienoraštis “.

Jo paveikslai vadinami tik „Peizažu Nr.45“ arba „Peizažu Nr.630“ ir pan.

„Meno dėžė“ - Michaelas Landy

Įvyko menininko Michaelo Landy paroda „Art Bin“ Pietų Londono galerija nuo 2010 m. sausio 29 d. iki kovo 14 d. Koncepcija yra didžiulė (600m³) į galerijos erdvę įmontuota šiukšliadėžė, kurioje išmetamas menas, „kūrybinės nesėkmės paminklas“¹.
Bet ne bet koks senas menas; turėjote kreiptis, norėdami mesti savo meną į šiukšliadėžę internete arba galerijoje, Michaelui Landy ar vienam iš jo atstovų nusprendus, ar jis gali būti įtrauktas, ar ne. Jei jis buvo priimtas, jis buvo įmestas į šiukšliadėžę iš bokšto viename gale.

Kai buvau parodoje, buvo įmesti keli kūriniai, kuriuos turėjo mėtantis žmogus daug praktikos, kaip jis sugebėjo priversti vieną paveikslą slysti tiesiai į kitą paveikslo pusę konteinerį.
Meno interpretacija eina keliu, kada / kodėl menas laikomas geru (ar šiukštu), subjektyvumas menui priskiriama vertė, meno kolekcionavimo aktas, meno kolekcininkų ir galerijų galia sukurti ar sugriauti menininką karjeros.

Be abejo, buvo įdomu vaikščioti šonais, žiūrint į tai, kas buvo įmesta, kas sugedo (daugybė polistirolo gabalėlių) ir kas ne (dauguma paveikslų ant drobės buvo vientisi). Kažkur apačioje buvo didelis kaukolės atspaudas, dekoruotas Damieno Hirsto stiklu ir Tracey Emino kūriniu. Galų gale, kas galėtų būti perdirbta (pavyzdžiui, popieriaus ir drobės neštuvai), o likusi dalis būtų skirta sąvartynui. Palaidotas kaip šiukšlė, vargu ar bus archeologo iškasamas per šimtmečius.

_{Šaltinis:
1&2. # Michaelas Landy: „Art Bin“ ( http://www.southlondongallery.org/docs/exh/exhibition.jsp? id = 164), Pietų Londono galerijos svetainė, žiūrėta 2010 m. kovo 13 d.}

Barackas Obama - Shepardas Fairey

Šį JAV politiko Baracko Obamos paveikslą, mišrios terpės trafaretinį koliažą, sukūrė Los Andžele gyvenantis gatvės menininkas, Shepard Fairey. Tai buvo centrinis portretinis vaizdas, naudojamas 2008 m. Obamos prezidento rinkimų kampanijoje ir išplatintas kaip riboto tiražo spaudinys ir nemokamas atsisiuntimas. Dabar jis yra Nacionalinėje portretų galerijoje Vašingtone.

1. „Norėdami sukurti savo Obamos plakatą (kurį jis padarė mažiau nei per savaitę), Fairey paėmė naujienų kandidato nuotrauką iš interneto. Jis ieškojo Obamos, kuri atrodė prezidentinė... Tada menininkas supaprastino linijas ir geometriją, naudodamas raudoną, baltą ir mėlyną patriotinę paletę (su kuria jis žaidžia padarydamas baltą smėlio, o mėlyną - pastelinį). paryškinti žodžiai ...
2. "Jo Obamos plakatai (ir daugybė jo komercinių ir vaizduojamojo meno kūrinių) - tai technikos perdirbimas revoliuciniai propagandistai - ryškios spalvos, drąsus užrašas, geometrinis paprastumas, herojiškos pozos “.

Šaltinis: ​
„Obamos pritarimas sienai“ William Booth, „Washington Post“ 2008 m. Gegužės 18 d.

„Rekviemas, baltos rožės ir drugeliai“ - Damienas Hirstas

Didžiosios Britanijos menininkas Damienas Hirstas labiausiai garsėja gyvūnais, išsaugotais formaldehide, tačiau 40-ųjų pradžioje grįžo prie aliejinės tapybos. 2009 m. Spalio mėn. Jis pirmą kartą eksponavo 2006–2008 m. Sukurtus paveikslus Londone. Šis dar garsaus menininko tapybos pavyzdys kilęs iš jo paroda Londono „Wallace“ kolekcijoje pavadinimu „No Lost Lost“. (Datos: nuo 2009 m. Spalio 12 d. Iki 2010 m. Sausio 24 d.)
BBC naujienos cituoju Hirstą.

„Dabar jis piešia tik rankomis“, kad dvejus metus jo „paveikslai buvo gėdingi ir aš nenorėjau kas tik įeis. “ir kad jis„ turėjo iš naujo išmokti tapyti pirmą kartą nuo paauglystės meno laikų studentas."¹

Prie Wallace parodos pridedamame pranešime spaudai sakoma:

„„ Mėlyni paveikslai “liudija naują drąsią jo kūrybos kryptį; paveikslų serija, menininko žodžiais tariant, „giliai susijusi su praeitimi“.

Dažų uždėjimas ant drobės yra tikrai nauja kryptis Hirstui, o kur eina Hirstas, greičiausiai seks meno studentai. Aliejinė tapyba vėl gali tapti madinga.
„About.com“ „London Travel“ vadovas Laura Porter nuvyko į Hirsto parodos spaudos peržiūrą ir gavo atsakymą į vieną klausimą, kurį norėjau žinoti: kokius mėlynus pigmentus jis naudojo?

Laurai buvo pasakyta, kad tai buvo "Prūsijos mėlyna visiems, išskyrus vieną iš 25 paveikslų, kuris yra juodas. "Nenuostabu, kad tai tokia tamsi, rūkstanti mėlyna spalva!
Menotyrininkas Adrianas Searle'as Globėjas nebuvo labai palankus Hirsto paveikslams:

Blogiausiu atveju Hirsto piešinys atrodo tik mėgėjiškas ir paaugliškas. Jo šepetėliui trūksta to pykčio ir panosės, kuri priverčia patikėti dailininko melu. Jis dar negali jo nusinešti “.²

<sub>Šaltinis:
1 Hirstas „atsisako marinuotų gyvūnų“, „BBC News“, 2009 m. Spalio 1 d
2. "Damieno Hirsto paveikslai yra mirtinai nuobodūsAdrianas Searle'as, globėjas, 2009 m. Spalio 14 d.</sub>

Garsūs menininkai: Antony Gormley

Antony Gormley yra britų menininkas, ko gero, labiausiai žinomas dėl savo skulptūros „Šiaurės angelas“, atidengto 1998 m. Jis stovi Tyneside'e, šiaurės rytų Anglijoje, vietoje, kuri kažkada buvo koljė, ir jus pasitiko 54 metrų pločio sparnais.
2009 m. Liepos mėn. Gormley instaliacijos meno kūrinys ketvirtame cokolyje Trafalgaro aikštėje, Londone, matė savanorį, kuris visą dieną visą parą stovėjo visą parą. Skirtingai nei kiti Trafalgaro aikštės cokoliai, ketvirtasis cokolis, esantis tiesiai už Nacionalinės galerijos, neturi nuolatinės statulos. Kai kurie dalyviai buvo patys menininkai ir apybraižė savo neįprastą požiūrį (nuotrauka).
Antony Gormley gimė 1950 m., Londone. Jis studijavo įvairiuose JK koledžuose ir budizmą Indijoje ir Šri Lankoje, o 1977–1979 m. Daugiausia dėmesio skyrė skulptūrai „Slade“ meno mokykloje Londone. Pirmoji personalinė paroda buvo Whitechapel meno galerijoje 1981 m. 1994 m. Gormley laimėjo Turnerio premiją su savo „Lauku Britų saloms“.
Jo biografija Interneto svetainė sako:

... Antony Gormley atgaivino žmogaus paveikslą skulptūroje radikaliai ištyręs kūną kaip atminties ir transformacijos vietą, naudodamas savo kūną kaip subjektą, įrankį ir medžiagą. Nuo 1990 m. Jis išplėtė rūpestį žmogaus būkle, norėdamas ištirti kolektyvinį kūną ir santykius tarp savęs ir kitų didelės apimties instaliacijose.

Gormley nekuria tokio figūros, kokį jis daro, nes jis negali padaryti tradicinio stiliaus statulų. Jis labiau mėgaujasi skirtumu ir gebėjimu juos interpretuoti. Interviu su Laikai¹, jis pasakė:

„Tradicinės statulos yra ne apie potencialą, o apie tai, kas jau baigta. Jie turi moralinį autoritetą, kuris labiau slegia, o ne bendradarbiauja. Mano darbai pripažįsta jų tuštumą “.

^{Šaltinis:
Antanas Gormley, žmogus, kuris sulaužė pelėsį, John-Paul Flintoff, The Times, 2008 m. Kovo 2 d.}

Garsūs šiuolaikiniai britų tapytojai

Iš kairės į dešinę menininkai Bobas ir Roberta Smithai, Billas Woodrowas, Paula Rego, Michaelas Craigas-Martinas, Maggi Hambling, Brianas Clarke'as, Cathy de Moncheaux, Tomas Phillipsas, Benas Johnsonas, Tomas Hunteris, Peteris Blake'asir Alison Watt.
Ta proga buvo paveikslo peržiūra Diana ir Actaeonas autorius Titianas (nematytas, kairėje) Londono nacionalinėje galerijoje, siekiant surinkti lėšų galerijai nusipirkti paveikslą.

Garsūs atlikėjai: Lee Krasner ir Jackson Pollock

Iš šių dviejų tapytojų Jacksonas Pollockas yra labiau žinomas nei Lee Krasner, tačiau be jos palaikymo ir jo meno kūrinių nepaskatinimo jis gali neužimti vietos meno laiko juostoje, kurioje jis yra. Abi tapytos abstrakčiu ekspresionizmo stiliumi. Krasner pati kovojo už kritikų pripažinimą, o ne tik buvo laikoma Pollocko žmona. Krasneris paliko palikimą įsteigti Pollocko-Krasnerio fondas, kuri suteikia stipendijas vizualiesiems menininkams.

Louis Aston Knight kopėčių molbertas

Louisas Astonas Knightas (1873–1948) buvo Paryžiuje gimęs amerikiečių menininkas, žinomas dėl savo kraštovaizdžio paveikslų. Iš pradžių jis mokėsi pas savo menininką tėvą Danielį Ridgway'ų Knightą. Pirmą kartą jis eksponavo Prancūzų salone 1894 m. Ir tęsė tai visą gyvenimą, taip pat pelnė pripažinimą Amerikoje. Jo paveikslas Pošvietis 1922 m. įsigijo JAV prezidentas Warrenas Hardingas Baltiesiems rūmams.
Ši nuotrauka iš Amerikos meno archyvai, deja, nenurodo mums vietos, bet jūs turite galvoti, kad bet kuris menininkas, norintis bristi vanduo su savo molberto kopėčiomis ir dažais buvo arba labai skirtas gamtos stebėjimui, arba gana šou.

1897 m.: Moterų dailės klasė

Ši nuotrauka iš 1897 m Amerikos meno archyvai rodo moterų dailės pamoką su instruktoriumi Williamu Merrittu Chase'u. Toje epochoje vyrai ir moterys lankė meno pamokas atskirai, kur dėl laiko moterims pasisekė, kad apskritai galėjo įgyti meninį išsilavinimą.

Meno vasaros mokykla apie 1900 m

Šv. Pauliaus dailės mokyklos vasaros klasių, Mendotos mieste (Minesota), dailės studentai buvo nufotografuoti apie 1900 m. Kartu su mokytoju Burt Harwood.
Atmetus madą, dideli saulės skrybėlės yra labai praktiški tapyba lauke nes apsaugo saulę nuo akių ir sustabdo veido nudegimą (kaip ir viršutinė dalis ilgomis rankovėmis).

„Nelsono laivas butelyje“ - Yinka Shonibar

Kartais tai yra meno kūrinio skalė, suteikianti jam dramatišką poveikį, kur kas daugiau nei tema. Yinka Shonibar „Nelsono laivas butelyje“ yra toks kūrinys.

Yinkos Shonibar „Nelsono laivas butelyje“ - dar aukštesnio butelio viduje esantis 2,35 metro aukščio laivas. Tai 1:29 mastelio vicemirolo Nelsono flagmano HMS kopija Pergalė.
„Nelsono laivas butelyje“ pasirodė ketvirtame plinte Trafalgaro aikštėje, Londone, 2010 m. Gegužės 24 d. Ketvirtasis cokolis stovėjo tuščias nuo 1841 m. Iki 1999 m., Kai pirmasis iš vykstančių šiuolaikinių meno kūrinių serijos, kurią Ketvirtoji Cokolio paleidimo grupė.
Meno kūrinys prieš „Nelsono laivą butelyje“ buvo „Antonijus Gormley“ „One & Other“, kuriame kitas asmuo visą dieną visą parą stovėjo ant cokolio 100 dienų.
2005–2007 m. Galite pamatyti Marco Quinno skulptūrą, Alison Lapper nėščia, o nuo 2007 m. lapkričio mėn. tai buvo Thomas Schutte'io „Hotel 2007“ modelis.
Batiko dizainą ant „Nelsono laivo butelyje“ burių dailininkas ranka atspaudė ant drobės, įkvėptas audinių iš Afrikos ir jų istorijos. Butelis yra 5x2,8 metro, pagamintas iš ne stiklo, o butelis yra pakankamai didelis, kad užliptų į vidų, kad sukonstruotų laivą.